“ Kunstverkene er skapt fra kunstnerens dialog og erfaring n med den sosiale, politiske, økonomiske konteksten omisk isk, filosofisk, der det er satt inn. Altså egenskaper som er tilstede i samtiden an og reflekterer i kunsten, enten det er i kunstnerens holdning, i kunstbegrepet og/eller i egenskapene som presenteres i de ulike kunstneriske språk. Å forstå samtidsbildekunst n ea, så vel som enhver kunst krever forståelse ê den knyttet til den nåværende konteksten, og søker å plassere som stiller spørsmål ved bredere områder som involverer samtidsverdenen og den presenterer seg selv. For dette søker vi å etablere relasjoner til følgende diskusjoner og kunst: oppløsningen av de store fortellingene; kulturen; identiteten; inkludering av forskjeller ce s; globalisering tisering ; fragmentering sjon og flyktighet, i et forsøk på å utvide repertoaret og bringe leserne nærmere en større forståelse av dagens kunst ”.

Ovenfor, utdraget tekst fra «Visual art in the contemporary world» av Nelcí Andreatta Kunzler.

Denne introduksjonen er berettiget for å underbygge at det er nok å si at i et gitt fellesskap er ingenting mer naturlig enn påvirkningene er de samme for de som bor der , nemlig: samme sosiale, politiske, økonomiske ogfilosofisk. Men, som den franske filosofen Pierre Bourdieu lærte, er "kulturkapital" det som ikke bare skiller den kulturelle bagasjen til hvert enkelt individ, men også måten disse individene absorberer denne kulturbyrden på. Og, som kunstner eller knyttet til et eller annet kunstnerisk håndverk, vil hver enkelt skape sin uttrykksform på spesielle, subjektive måter.

I alle deler av kunsten og til enhver tid, uavhengig av regionen hvor de live, har de lidd av dilemmaet: kreativitet « versus » handel. La oss for eksempel nevne den abstrakte ekspresjonistiske maleren Jackson Pollok (1912 – 1956) til den moderne motefotografen David LaChapelle (1963 – *) som på et tidspunkt i livet så/så sin kreativitet i konflikt med behovet for å kommersialisere deres verk .

Nå, la oss se på noen konsepter som vil hjelpe oss å reflektere over gjenlesing av verk. La oss starte med "inspirasjon":

Hva er inspirasjon?

Filosofen Mario Sérgio Cortella ville si: "Forestillingen om å inspirere er å gi vitalitet". Det vil si at vi må søke vitaliteten til de store mestrene, som skapte store gjerninger, slik at vi også kan skape våre store verk og bli store mestere. Dermed vil vi inspirere de som vil komme og gi vitalitet til dem for å skape nye ting, nye verk, og ikke bare reprodusere det som allerede er gjort.

La oss se maleriene nedenfor ogJeg etterlater her provokasjonen for deg, leseren, til å avgjøre om det er: plagiering, omlesning eller inspirasjon...

Woman Reclining, 1922

Fernand Léger (Frankrike, 1881-1955)

Olje på lerret, 65 x 92 cm

Kunsten Institute, Chicago

Kvinne med katt, 1921

Fernand Léger (Frankrike, 1881-1955)

Olje på lerret, 65 x 92 cm

The Reading, 1924

Fernand Léger (Frankrike, 1881-1955)

olje på lerret, 114 x 146 cm

Reading with Fernand, 2011

Madison Moore (USA, moderne)

Olje på lerret, 36 x 36 cm

Og hva betyr «gjenlesing»?

Å gjenlese et kunstverk er fremfor alt å lese verket på nytt å søke et nytt tolkning , uten å avvike helt fra originalen. Vi kan gjøre en omlesning ved hjelp av en kunstnerisk referanse og gjennom den gi opphav til en ny produksjon, omtolke den. Gjenlesing av et kunstverk er skapelsen av et nytt verk, som tar et tidligere verk som referanse for å gi dette nye verket en annen mening, og tilføre det et personlig preg, i henhold til ens egne erfaringer. Dette er på ingen måte en forfalskning eller en kopi.

Akkurat som et kunstverk kan føre til flere tolkninger, kan det inspirere til flere gjenlesninger. En vellykket gjenlesing avhenger, føralt, fra forståelse i å lese verket. Å lese et verk på nytt har absolutt ingenting å gjøre med å reprodusere det; for å lese det på nytt, er det først nødvendig å tolke det og deretter, i en kreativitetsøvelse, kan vi gjenskape det. Når vi leser et verk på nytt, trenger vi ikke å bruke samme teknikk som ble brukt i originalverket; vi kan til og med bruke andre kunstneriske språk. Hovedfokuset for en omlesning er å skape noe nytt som for det meste opprettholder en kobling med verket som fungerte som inspirasjon.

For å gjøre en ny lesing, må du vite litt om kunstneren og verket : kunstnerens biografi, kunstnerne i sin tid, mesterne han beundret og teknikken han brukte.

Mange kunstnere brukte gjenlesingen til å hedre andre kunstnere og for å forbedre seg selv. I kunsten er øvelsen omlesing av stor verdi, da den gir resultater som blir kjent og disse blir en referanse i kunststudiet.

Å gjenlese kunstverket er en øvelse i kunnskap og kreativitet . Vi må ikke forveksle gjenlesing med kopiering. Omlesningen er basert på premisset om en annen tolkning, en annen måte å se og føle på. Å lese et verk på nytt kan være en utmerket kunstnerisk øvelse.

Eksempler på omlesninger:

In Fashion: Inspired by Mondrian.

I fotografi og kino:

Foto av diktatorkarakteren, fra filmen regissert avCharlie Chaplin,

and the recreation Hvor er diktatoren? (til høyre).

Se publikum på Morimuras nytolkning.

Artist: Yasumasa Morimura .

Nå går vi videre til opphavsrettsloven, la oss konseptualisere:

Hva er et tilpasset/avledet verk?

The Copyright Law, i sin femte artikkel. definerer:

Art. 5. I denne loven anses det som:

[…]

1. g) avledet - det som utgjør opprettelse av ny åndsverk, et resultat av transformasjonen av det originale verket;

[…]

Derfor forstår vi at et tilpasset verk er alt det som stammer fra verkets første forfatter og den andre forfatteren utdyper en omlesning av den og nevner navnet på verket og dets opprinnelige forfatter . Dette ser vi mye av i for eksempel dramaturgien, hvor vakre litteraturverk ender opp med å bli skuespill, såpeoperaer, filmer, tegneserier og så videre... I disse tilfellene nevner forfatterne som bearbeider et slikt verk, f.eks. eksempel: Roman tilpasset fra romanen "Vidas Secas" av Graciliano Ramos. Eller til og med gjenskape et klassisk verk av vår litteratur i tegneserier, slik som:

Det vil si at et avledet eller tilpasset verk ikke er noe mer enn en omlesning av et annet verk som allerede eksisterer. Igjen innebærer det at den andre forfatteren tolker det originale verket på sin egen måte og transformerer det i henhold til sine kriterier for kreativitet, støtte ogteknikk.

Så, hva er plagiat?

Plagiering er presentasjon av andres arbeid som om det var ens eget eller kopiering av en god del av det og sette det på arbeidet ditt. Plagiat er handlingen å presentere et åndsverk beskyttet av lov 9.610/98, av enhver art (f.eks.: tekst, musikk, billedverk, fotografi, audiovisuelt verk, etc.) som inneholder en stor del av det originale verket eller kopiere det i sin helhet, uten forhåndsgodkjenning fra den opprinnelige forfatteren.

En del av den juridiske doktrinen kaller plagiat som "intellektuelt tyveri", men vi holder oss ikke til slike gjeldende, siden begrepet "tyveri" subtends "trekke fra noe utenlandsk mobil". Subtraksjon er handlingen å ta for deg selv det som ikke er under din rettmessige besittelse eller som ikke er din eiendom. I plagiat så vi at plagiatøren ikke trekker tilbake eierskapet til forfatterens verk, da eierskapet forblir hos ham. Men for didaktiske formål kan vi si at plagiatøren begår et moralsk tyveri av verket , siden han gjengir det i sin helhet eller kopierer en stor del av det. Kort sagt, når han plagierer, tilegner plagiaten seg uberettiget det intellektuelle arbeidet til en annen person, og antar forfatterskapet til det samme, uten å nevne navnet på verket og dets respektive forfatter.

Så avslutningsvis, men uten at I den hensikt å uttømme emnet, eller å påtvinge en vilkårlig tanke, lar vi provokasjonen stå her, slik at du som leser kan spørre deg selv fra nå av hver gang dusetter pris på et kunstverk. Hva er referansen til denne kunstneren? Han ble inspirert av hva eller hvem eller et slikt verk er bare plagiat? Hva var den historiske og politiske konteksten forfatteren ble satt inn i? Er det en omlesning av et mer kjent verk?

Slike spørsmål er uansett ikke noe annet enn en øvelse i visuell dannelse som vi, fotografer, må bære gjennom hele karrieren, selv om vi tilhører andre segmenter (maleri, skulptur, musikk, etc.) og ikke bare i vårt elskede fotografi.